REMBRANDT Piktor i njohur Hollandez

REMBRANDT

Piktor holandez

I njohur gjithashtu si: Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrant van

Rembrandt: Autoportret

Autoportret, vaj mbi kanavacë nga Rembrandt, 1659; në Galerinë Kombëtare të Artit, Washington, D.C.

Pyetjet kryesore

Pse është i rëndësishëm Rembrandti?

Si u arsimua Rembrandti?

Çfarë krijoi Rembrandti?

Rembrandti (lindur më 15 korrik 1606, Leiden, Holandë – vdekur më 4 tetor 1669, Amsterdam) ishte një piktor dhe grafist holandez i Barokut, një prej tregimtarëve më të mëdhenj në historinë e artit, me një aftësi të jashtëzakonshme për të paraqitur njerëzit në gjendjet e tyre të ndryshme shpirtërore dhe në pamje dramatike.

Rembrandti njihet gjithashtu si piktori i dritës dhe hijes, si dhe si një artist që i qëndroi besnik një realizmi të pakompromis, aq sa disa kritikë arritën të pohonin se ai parapëlqente shëmtinë ndaj bukurisë.

A shkaktoi Roja e Natës rënien e Rembrandtit?

E pikturuar në vitin 1642, Roja e Natës e Rembrandtit është një portret grupi i porositur, që paraqet një kompani milicie.

Në fillim të karrierës së tij dhe për një periudhë të gjatë më pas, Rembrandti pikturoi kryesisht portrete. Edhe pse vazhdoi të pikturonte portrete gjatë gjithë jetës së tij artistike, si dhe të merrej me gravurë dhe, herë pas here, me vizatim, me kalimin e viteve ai e bëri këtë më rrallë.

Afërsisht një e dhjeta e veprës së tij të pikturuar dhe të gravuar përbëhet nga studime të fytyrës së tij dhe nga autoportrete më formale, një fakt që ka nxitur shumë hamendësime.

Megjithatë, thelbi i veprës së Rembrandtit përbëhet nga skena biblike dhe, në një masë shumë më të vogël, nga vepra historike, mitologjike dhe alegorike. Ai i pikturoi, i gravoi ose i skicoi këto në penë e bojë ose me shkumës.

Kur vepra e tij shihet në tërësinë e karrierës, ndryshimet në stilin e Rembrandtit janë të jashtëzakonshme. Qasja e tij ndaj kompozimit dhe mënyra se si paraqiste hapësirën dhe dritën — ashtu si trajtimi i konturit, formës dhe ngjyrës, puna e penelit dhe, në vizatime e gravura, trajtimi i vijës dhe tonit — iu nënshtruan një transformimi gradual, e ndonjëherë edhe të menjëhershëm, madje brenda së njëjtës vepër.

Piktura e njohur si Roja e Natës (1640/42) ishte qartësisht një pikë kthese në zhvillimin e tij stilistik.

Këto ndryshime nuk ishin rezultat i një evolucioni të pavullnetshëm. Përkundrazi, ato duhen parë si dëshmi të një kërkimi të vetëdijshëm artistik, si në aspektin piktorik, ashtu edhe në atë narrativ; një kërkim që herë pas here zhvillohej, si të thuash, në dialog me pararendësit e tij të mëdhenj.

Rembrandti fitoi shpejt famë ndër dashamirësit holandezë të artit dhe te publiku që blinte vepra arti, falë pikturave të tij historike dhe gravurave, por edhe portreteve e autoportreteve.

Gravurat e tij të pazakonta i sollën famë ndërkombëtare që gjatë jetës së tij, ndërsa vizatimet e tij, të cilat në të vërtetë shërbenin si ushtrime praktike ose si studime për vepra të tjera, u mblodhën gjithashtu nga dashamirësit bashkëkohorë të artit.

Sipas mitit që u krijua pas vdekjes së tij, Rembrandti vdiq i varfër dhe i keqkuptuar.

Është e vërtetë se në fund të jetës së tij realizmi i tij ishte zëvendësuar nga Klasicizmi dhe kishte dalë nga moda në Holandë. Megjithatë, reputacioni i tij ndërkombëtar mes njohësve dhe koleksionistëve vetëm sa vazhdoi të rritej.

Disa artistë në Gjermaninë dhe Venedikun e shekullit XVIII madje e përvetësuan stilin e tij.

Ai u nderua gjatë epokës Romantike dhe u konsiderua një pararendës i lëvizjes romantike. Që prej asaj kohe, ai u pa si një prej figurave më të mëdha në historinë e artit.

Në vetë Holandën, fati i emrit të tij u ngrit përsëri dhe Rembrandti u shndërrua në një simbol të madhështisë dhe të identitetit holandez.

Vitet e hershme

Rembrandti ishte fëmija i katërt nga gjashtë fëmijë që mbijetuan, prej gjithsej dhjetë fëmijëve.

Ndryshe nga shumë piktorë të kohës së tij, ai nuk vinte nga një familje artistësh apo zejtarësh. I ati, Harmen Gerritszoon van Rijn (1568–1630), ishte mullixhi. E ëma, Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck (1568–1640), vinte nga një familje bukëpjekësish.

Emri Rembrandt ishte — dhe mbetet — jashtëzakonisht i rrallë. Ai lidhet me emra holandezë më të zakonshëm si Remmert, Gerbrand dhe IJsbrand.

Mënyra se si Rembrandti e shkruante emrin e tij në veprat e veta ndryshoi ndjeshëm me kalimin e kohës.

Si i ri, ai i firmoste veprat vetëm me monogramin RH (Rembrant Harmenszoon, “biri i Harmenit”); nga viti 1626/27, me RHL; ndërsa në vitin 1632 me RHL van Rijn. L-ja në monogram besohet se qëndronte për Leidensis, “nga Leiden”, qyteti ku kishte lindur.

Në moshën 26-vjeçare ai filloi t’i firmoste veprat vetëm me emrin e parë, Rembrant, duke e mbyllur me -t. Nga fillimi i vitit 1633 dhe deri në vdekjen e tij, ai e shkroi emrin Rembrandt, me -dt, dhe kështu i firmoste veprat.

Është sugjeruar se ai filloi të përdorte emrin e parë si firmë sepse e konsideronte veten të barabartë me artistët e mëdhenj të shekujve XV dhe XVI.

Edhe Michelangelo (Michelangelo Buonarroti), Titiani (Tiziano Vecellio) dhe Rafaeli (Raffaello Sanzio) njiheshin përgjithësisht vetëm me emrat e tyre të parë.

Si shumica e fëmijëve holandezë të kohës së tij, Rembrandti ndoqi shkollën fillore rreth viteve 1612–1616. Më pas, afërsisht nga 1616 deri më 1620, ai ndoqi Shkollën Latine në Leiden, ku lëndët kryesore ishin studimet biblike dhe klasikët.

Theksi i shkollës mbi aftësitë e oratorisë mund të ketë ndikuar në aftësinë e tij për t’i “vënë në skenë” figurat në skenat e paraqitura në pikturat historike, vizatimet dhe gravurat e tij.

Nuk është e qartë nëse Rembrandti e përfundoi kursin në Shkollën Latine.

Biografi i tij i parë, Jan Janszoon Orlers (1570–1646), përfshiu një biografi lavdëruese gjysmëfaqëshe të Rembrandtit në veprën e tij Beschrijvinge der stadt Leyden (1641; “Përshkrimi i qytetit të Leidenit”).

Atje Orlers shkruante se Rembrandti u nxor nga shkolla para kohe dhe, me kërkesën e tij, u dërgua për t’u trajnuar si piktor.

Fakti që Rembrandti u regjistrua në Universitetin e Leidenit më 20 maj 1620 nuk e kundërshton domosdoshmërisht këtë.

Qoftë për arsye taksash, qoftë thjesht sepse kishin ndjekur Shkollën Latine, nuk ishte e pazakontë që djemtë e Leidenit të regjistroheshin si studentë pa pasur detyrimin të ndiqnin leksionet.

Shkalla e zhvillimit të tij intelektual dhe ndikimi i mundshëm që kjo mund të ketë pasur mbi veprën e tij mbeten çështje hamendësimi.

Nga afërsisht 1620 deri më 1624/25, Rembrandti u formua si artist.

Siç ishte e zakonshme në kohën e tij, ai pati dy mjeshtër, njëri pas tjetrit.

Mësuesi i parë i Rembrandtit ishte piktori i Leidenit Jacob van Swanenburgh (1571–1638), me të cilin, sipas Orlers, qëndroi rreth tre vjet.

Van Swanenburgh duhet t’i ketë mësuar aftësitë bazë dhe t’i ketë dhënë njohuritë e nevojshme për profesionin.

Ai ishte specialist i skenave arkitekturore, si dhe i skenave të ferrit dhe botës së nëndheshme, të cilat kërkonin mjeshtëri në paraqitjen e zjarrit dhe të pasqyrimeve të tij mbi objektet përreth.

Në kohën e Rembrandtit, kjo aftësi konsiderohej e veçantë dhe kërkuese.

Është krejt e mundshme që ekspozimi i hershëm i Rembrandtit ndaj këtij lloji problemi piktorik të jetë në themel të interesit të tij të qëndrueshëm për efektet e dritës.

Mësuesi i dytë i Rembrandtit, Pieter Lastman (1583–1633), jetonte në Amsterdam.

Sipas Orlers, Rembrandti qëndroi me të për gjashtë muaj.

Puna me Lastmanin, i cili në atë kohë ishte i njohur si piktor historik, duhet ta ketë ndihmuar Rembrandtin të fitonte njohuritë dhe aftësitë e nevojshme për të zotëruar këtë zhanër.

Piktura historike përfshinte vendosjen e figurave të ndryshme nga skena biblike, historike, mitologjike ose alegorike në mjedise komplekse.

Në hierarkinë e zhanreve të ndryshme të shekullit XVII, piktura historike zinte vendin më të lartë, sepse kërkonte zotërim të plotë të të gjitha temave: nga peizazhi te arkitektura, nga natyra e qetë te pëlhurat, nga kafshët dhe, mbi të gjitha, figura njerëzore, në një gamë të gjerë qëndrimesh, shprehjesh dhe kostumesh.

Një prej biografëve të Rembrandtit, Arnold Houbraken, përmend një tjetër piktor historik të Amsterdamit, Jakob Pynas, si një prej mësuesve të Rembrandtit.

Në vitin 1718, Houbraken shkroi biografinë e hershme më të gjerë dhe karakterizimin më të plotë të Rembrandtit si artist, megjithëse ajo ishte e përzier me anekdota të pasakta.

Fakte të shpejta

Emri i plotë: Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Emri që përdorte fillimisht: Rembrant

Lindur: 15 korrik 1606, Leiden, Holandë

Mbi bazën e argumenteve stilistike, mund të hamendësohet edhe ndikimi që Jan Lievens mund të ketë pasur mbi Rembrandtin gjatë formimit të tij.

Lievens, një vit më i ri se Rembrandti dhe fillimisht një fëmijë i talentuar në mënyrë të jashtëzakonshme, ishte tashmë një artist i formuar në kohën kur Rembrandti duhet të ketë vendosur të bëhej piktor.

Megjithëse studiuesit e dinë me siguri vetëm se Rembrandti dhe Lievensi punuan ngushtë së bashku për disa vite pasi Rembrandti u kthye në Leiden rreth vitit 1625, pas formimit të tij me Lastmanin, kontaktet mes këtyre dy djemve të Leidenit mund të kenë filluar më herët.

Megjithatë, asnjë gjurmë e ushtrimeve të Rembrandtit si student nuk ka mbijetuar.

Periudha e Leidenit (1625–31) e Rembrandtit

Rembrandt: Autoportret

Autoportret, vaj mbi panel nga Rembrandti, rreth vitit 1628; në Rijksmuseum, Amsterdam.

Gjatë vitit 1625, Rembrandti u vendos në Leiden si mjeshtër i pavarur.

Gjatë gjashtë viteve që pasuan, ai hodhi themelet për shumë prej veprave dhe interesave që do ta shoqëronin më vonë.

Pikturat e tij më të hershme mbështeteshin shumë te puna e Lastmanit.

Në disa raste, ai, si të thuash, i çmontonte kompozimet shumëngjyrëshe të Lastmanit dhe i rindërtonte në kompozime të reja.

Më vonë, ndonëse në një mënyrë më pak drastike, edhe nxënësit e Rembrandtit do të krijonin variante mbi bazën e veprave të vetë Rembrandtit.

Për një piktor që aspironte të gjente stilin e vet, kjo ishte një prej metodave tipike për zhvillimin e një gjuhe personale nën udhëheqjen e një mjeshtri.

Megjithatë, duke qenë se Rembrandti i pikturoi variantet e tij mbi modelet e Lastmanit pasi ishte kthyer në Leiden si një mjeshtër i ri dhe i pavarur, mund të hamendësohet se ai në të vërtetë po përpiqej të imitonte ish-mësuesin e tij, duke zgjedhur temat e tij, por duke i “riformuluar” plotësisht.

Gjatë periudhës së Leidenit, veprimtaria e Rembrandtit si piktor iu kushtua kryesisht pikturave historike të përmasave të vogla dhe tronieve — figura të vetme të veshura me kostume historizuese, të Lindjes së Mesme, aziatike ose imagjinare, që nënkuptonin pleqërinë, devotshmërinë, trimërinë e ushtarit, Azinë, Lindjen e Mesme, kalueshmërinë e jetës e të tjera.

Troniet nuk synonin të ishin portrete, megjithëse individë duhet të kenë pozuar për to — mes tyre edhe vetë Rembrandti, përpara pasqyrës.

Gjatë kësaj periudhe, Rembrandti mund të ketë ndarë studion me Lievensin, i cili, ashtu si Rembrandti, kishte marrë formimin e fundit me Lastmanin — megjithëse gjashtë vjet më herët.

Dy piktorët e rinj eksperimentuan me konsistencën e bojës, duke u përpjekur të përdornin ndryshime në sipërfaqen e saj për të paraqitur materiale të ndryshme.

Është krejt e mundshme që Lievensi të ketë pasur një ndikim më të madh mbi Rembrandtin në këto vite të hershme sesa e kundërta.

Fakti që rreth vitit 1630, të dy piktorët e trajtuan disa herë të njëjtën temë — si Ngritja e Lazarit — mund të sugjerojë se ata konkurronin me njëri-tjetrin.

Në vitin 1628 ose 1629, Rembrandti përfundoi Juda i Penduar dhe, ndër vepra të tjera, pikturoi Artisti në studion e tij.

Pas ndryshimeve jashtëzakonisht të shpejta në stil që nga viti 1625, Rembrandti arriti kulmin e parë të madh në zhvillimin e tij artistik në fund të viteve 1620.

Pikturat që krijoi menjëherë pasi u largua nga Lastmani ende kanë një cilësi të ngjashme me figurat prej dylli, me figura të ndriçuara njëtrajtshëm, shumëngjyrëshe dhe të vendosura në një hapësirë të organizuar qartë.

Ndryshimi revolucionar që ndodhi në stilin e Rembrandtit midis viteve 1627 dhe 1629 lidhej me rolin e dritës.

Duke përqendruar dritën dhe duke ekzagjeruar zbehjen e fuqisë së saj në raport me largësinë nga burimi i dritës, Rembrandti arriti efekte që mund të quhen në mënyrë të thjeshtë efekte “projektori”.

Për të krijuar efekte bindëse të dritës, Rembrandti — ashtu si Caravaggio, pararendësi i tij i madh italian në këtë fushë — duhej të kompensonte duke lënë zona të mëdha të mbuluara nga hija.

Në vitin 1628, veçanërisht në Pjetri dhe Pali në debat, Rembrandti zhvilloi një metodë ku elementet e ndriçuara të pikturës grumbulloheshin kryesisht në një zonë të vetme, në mënyrë të tillë që të nevojitej pak hije për të ndarë format nga njëra-tjetra.

Duke bashkuar nuanca të çelëta të së verdhës, blusë, rozës, jeshiles dhe ngjyrave të tjera, ai zhvilloi një sistem të quajtur bevriende kleuren — “ngjyra të afërta” ose “ngjyra të lidhura”.

Kjo zonë e pikturës rrethohej nga grupe koherente tonesh më të errëta, të cilat zinin planin e parë dhe sfondin, veçanërisht skajet dhe qoshet e veprës.

Nëpërmjet kësaj metode, Rembrandti nuk krijoi vetëm një intensitet të përqendruar, pothuajse si një furrë e ndezur, të dritës, por arriti edhe një unitet të fuqishëm në kompozimin e tij.

Ky unitet i mundësonte syrit të shikuesit ta përkapte imazhin në një vështrim të vetëm, përpara se të ndalej te hollësitë.

Për të arritur këtë rezultat, Rembrandti duhej të sakrifikonte ngjyrat e forta dhe të ngopura, sepse ato do ta dëmtonin efektin e dëshiruar.

Ai duhej të sakrifikonte gjithashtu shumë detaje, në mënyrë që të ruante unitetin tonal në të gjithë pikturën.

Mund të hamendësohet se këto dilema piktorike përfundimisht çuan në një krizë artistike, e cila mund të jetë shfaqur gjatë punës mbi Roja e Natës (shih më poshtë), e cila në të vërtetë ishte menduar si një skenë e ndriçuar nga drita e ditës.

Zhvillime të tjera të periudhës së Leidenit të Rembrandtit, si veprimtaria e tij si gravurist dhe mësues, do të rezultonin gjithashtu të rëndësishme për të gjithë karrierën e tij artistike.

Gravura

Rembrandt: Autoportret i gravuar pranë një dritareje

Autoportret i gravuar pranë një dritareje, gravurë — pikë e thatë dhe burin në të zezë mbi letër të bardhë të punuar — nga Rembrandti, 1648.

Rembrandt: Gruaja me Shigjetën

Gruaja me Shigjetën, gravurë nga Rembrandti, 1661; në Galerinë Kombëtare të Artit, Washington, D.C. 20.9 × 12.8 cm.

Rreth vitit 1628, Rembrandti realizoi gravurat e tij të para.

Ndryshe nga vizatimi, gravura nuk është një vazhdim i natyrshëm i pikturës, dhe vendimi i tij për të filluar të merrej me gravurë nënkuptonte një drejtim të ri dhe të rëndësishëm në karrierën e tij.

Një pjesë e madhe e famës së tij ndërkombëtare gjatë jetës do të mbështetej në gravurat e shpërndara gjerësisht, të cilat ai i krijoi nga rreth 300 gravura të realizuara gjatë karrierës.

Analiza e veprave të hershme të Rembrandtit në gravurë të jep përshtypjen se në këtë fushë ai ishte kryesisht autodidakt.

Ndërsa bashkëkohësit e tij përdornin mënyrën e rregullt, pothuajse të stilizuar, të vendosjes së vijave dhe vijëzimeve që gjendej në gravurat shumë më të zakonshme në bakër, Rembrandti, pothuajse që në fillim, përdori një teknikë shumë më të lirë.

Në shikim të parë, ajo duket e pakontrolluar, madje nervoze.

Megjithatë, falë kësaj teknike të re, ai arriti të zhvillonte një mënyrë pune që duket pjesërisht si skicë, por që mund të përshkruhet gjithashtu si piktorike.

Cilësia piktorike e gravurave të tij lidhet kryesisht me mënyrën se si ai arrinte një lojë jashtëzakonisht sugjestive të dritës dhe errësirës dhe se si krijonte një ndjesi bindëse të hapësirës atmosferike duke përdorur metoda të ndryshme të vijëzimit.

Rembrandt: Tre pemët

Tre pemët, gravurë me pikë të thatë dhe gdhendje nga Rembrandti, 1643. 21.3 × 27.9 cm.

Që në shekullin XVIII, specialistët kishin përshkruar dhe studiuar me hollësi veprën grafike të Rembrandtit, kryesisht në dobi të koleksionistëve të gravurave.

Gjatë këtij procesi, shumë vëmendje iu kushtua fazave të ndryshme — të ashtuquajturave “gjendje” — nëpër të cilat kaluan shumë prej gravurave të Rembrandtit, si dhe larmisë së jashtëzakonshme të letrave mbi të cilat ato u shtypën.

Ky fakt çoi në bindjen e përgjithshme se Rembrandti i shtypte vetë gravurat e tij.

Rreth vitit 1990, teknika e radiografisë me rreze X u aplikua mbi filigranat e letrës.

Kjo teknikë bëri të mundur rindërtimin e botimeve të gravurave dhe, si rrjedhojë, sigurimin e një kuptimi më të thellë mbi praktikën e studios së Rembrandtit në këtë fushë.

Mësimdhënia

Nga viti 1628 deri më 1663, Rembrandti pati nxënës.

Gerrit Dou (1613–1675), i cili më vonë u bë i njohur si piktor i pikturave të zhanrit dhe portreteve të realizuara me përpikëri të jashtëzakonshme, ishte ndoshta nxënësi i parë.

Me kalimin e viteve, fama e Rembrandtit tërhoqi shumë të rinj — disa prej tyre nga vende të huaja — të cilët dëshironin të studionin me të pasi kishin përfunduar formimin bazë diku tjetër.

Duket se Rembrandti nuk pranonte fillestarë.

Talente të mëdha si Govaert Flinck, Carel Fabritius dhe Aert de Gelder ishin ndër këta nxënës.

Studiuesit e dinë ekzistencën e nxënësve individualë të Rembrandtit kryesisht rastësisht, pasi regjistrat zyrtarë të praktikantëve të piktorëve janë humbur si në Leiden, ashtu edhe në Amsterdam.

Është e mundur vetëm një vlerësim i përafërt i numrit të nxënësve të tij.

Gjatë gjithë karrierës së tij si mësues, midis 1628 dhe rreth 1663, duhet të kenë qenë me siguri rreth 50 nxënës, dhe ndoshta edhe shumë më tepër.

Artisti gjerman Joachim von Sandrart (1606–1688), i cili jetoi në Amsterdam nga viti 1637 deri rreth vitit 1645, iu referua “nxënësve të panumërt” që studionin dhe punonin me Rembrandtin.

Prindërit e një nxënësi duhej t’i paguanin Rembrandtit një tarifë vjetore prej 100 guldenësh për mësimin, një shumë e konsiderueshme, veçanërisht sepse Rembrandti, ndryshe nga zakoni i kohës, nuk u siguronte këtyre të rinjve strehim.

Sipas von Sandrartit, kjo tarifë, e kombinuar me shitjen e veprave të nxënësve të tij, i shtonte ndjeshëm të ardhurat e Rembrandtit.

Ka të ngjarë që disa prej nxënësve të Rembrandtit — përfshirë Isack Jouderville, një jetim nga Leiden — të kenë qëndruar për njëfarë kohe si asistentë në studio.

Nxënësit e Rembrandtit mësonin, siç ishte praktikë e zakonshme në studiot e shekullit XVII, duke kopjuar veprat e mjeshtrit të tyre dhe më vonë duke pikturuar e vizatuar variante pak a shumë të lira të bazuara mbi to.

Një pasazh në biografinë e Houbrakenit për Rembrandtin, i konfirmuar nga një dokument arkivor i vitit 1658, pohon se nxënësit punonin në një papafingo, në ndarje të veçanta të ndara me pëlhurë velash ose letër.

 Pikturat më të rëndësishme të Rembrandtit që ia vlen të publikohen  nga  Albania Prestige Magazine janë:

The Night Watch (Roja e Natës) — 1642, Rijksmuseum, Amsterdam.

The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes.

 Tulp — 1632, Mauritshuis, Hagë.

The Jewish Bride (Nusja Hebraike) — rreth 1665–1669, Rijksmuseum.

The Return of the Prodigal Son (Kthimi i Djalit Plangprishës) — rreth 1668–1669, Hermitage, Shën Petersburg.

The Syndics of the Drapers’ Guild — 1662, Rijksmuseum.

Self-Portrait with Two Circles — rreth 1665–1669, Kenwood House, Londër

Danaë — 1636, Hermitage.

The Storm on the Sea of Galilee — 1633, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston.

The Blinding of Samson — 1636, Städel Museum, Frankfurt.

Portrait of Jan Six — 1654, Six Collection, Amsterdam.

Saskia as Flora — 1634, Hermitage

The Philosopher in Meditation — 1632, Musée du Louvre, Paris.

Për një artikull premium, “Roja e Natës”, “Nusja Hebraike” dhe “Autoportreti me dy rrathë” do të ishin zgjedhjet më të forta vizuale.

Analize e figures se 

REMBRAND

Filozofia e dritës, njeriut dhe kohës

1. Jeta dhe formimi

Rembrandti lindi në Leiden më 15 korrik 1606.

Formimi i tij nisi në mjedisin kulturor holandez.

Ai studioi fillimisht në Leiden dhe më pas Amsterdam.

Mësuesit e tij ndikuan fuqishëm në zhvillimin fillestar.

Por shumë shpejt ai kërkoi një gjuhë personale.

Kjo kërkesë do ta shoqëronte gjatë gjithë jetës.

2. Epoka historike

Rembrandti jetoi në Holandën e shekullit XVII.

Ishte koha e lulëzimit ekonomik dhe kulturor holandez.

Tregtia krijoi një klasë të re qytetare.

Kjo klasë kërkonte portrete, peizazhe dhe skena jetësore.

Arti po largohej gradualisht nga patronazhi tradicional aristokratik.

Piktori po fitonte një rol të ri shoqëror.

3. Rryma artistike

Rembrandti ishte një figurë qendrore e Barokut holandez.

Baroku kërkonte dramë, lëvizje dhe emocion të fuqishëm.

Rembrandti e përvetësoi këtë gjuhë në mënyrë personale.

Ai e bëri dramën më intime dhe psikologjike.

Prandaj arti i tij tejkalon kufijtë e Barokut.

4. Stili personal

Stili i Rembrandtit ndryshoi shumë gjatë karrierës.

Fillimisht përdori kompozime të qarta dhe ngjyra të forta.

Më vonë, piktura u bë më e lirë.

Penelata fitoi forcë dhe karakter të veçantë.

Detaji u zëvendësua shpesh nga përshtypja.

Kjo e afroi artin e tij me modernitetin.

5. Drita dhe hija

Drita është një nga shtyllat e artit rembrandtesk.

Ajo nuk shërben vetëm për ndriçimin e figurës.

Ajo udhëheq syrin dhe krijon kuptimin emocional.

Hija sjell mister, thellësi dhe heshtje psikologjike.

Mes tyre krijohet drama e brendshme njerëzore.

Drita tek Rembrandti është pothuajse një gjuhë.

6. Ngjyra

Ngjyrat e Rembrandtit ndryshuan përgjatë periudhave artistike.

Në fillim, ato ishin më të ndritshme.

Më vonë, paleta u bë më e ngrohtë.

E arta, okra dhe e kuqja krijojnë thellësi.

Ngjyra nuk është vetëm dekor në veprat e tij.

Ajo krijon atmosferë dhe peshë emocionale.

7. Kompozimi

Rembrandti ndërtoi kompozime që drejtojnë shikimin natyrshëm.

Drita përcakton hierarkinë e figurave brenda skenës.

Elementet kryesore dalin nga errësira gradualisht.

Shikuesi nuk e përjeton veprën në mënyrë statike.

Syri lëviz nga një pikë tek tjetra.

Kështu piktura fiton ritëm dhe jetë.

8. Portreti

Portreti ishte një nga fushat kryesore të tij.

Por ai nuk kërkonte vetëm ngjashmërinë fizike.

Ai kërkonte karakterin që fshihej pas fytyrës.

Sytë bëhen shpesh qendra psikologjike e portretit.

Një fytyrë mund të tregojë një jetë tërë.

Kjo është një nga arritjet e tij madhore.

9. Psikologjia

Rembrandti ishte mjeshtër i gjendjeve njerëzore.

Ai pikturoi frikën, lodhjen, dashurinë dhe pendimin.

Emocioni nuk shfaqet gjithmonë në mënyrë të drejtpërdrejtë.

Shpesh ai fshihet në një vështrim të vogël.

Kjo e bën psikologjinë e tij veçanërisht të fuqishme.

Njeriu bëhet subjekt, jo thjesht figurë.

10. Realizmi

Rembrandti nuk e idealizoi njeriun sipas bukurisë klasike.

Ai pranoi rrudhat, moshën dhe papërsosmërinë njerëzore.

Për të, realiteti kishte bukurinë e vet.

Një fytyrë e plakur mund të ishte madhështore.

Një trup i lodhur mund të ishte fisnik.

E vërteta bëhet më e rëndësishme se zbukurimi.

11. Autoportreti

Autoportreti ishte laboratori më personal i Rembrandtit.

Ai e vëzhgoi veten gjatë gjithë ndryshimeve jetësore.

Pikturoi rininë, famën, humbjet dhe plakjen.

Nuk u përpoq ta ndalte kohën në fytyrë.

Ai e lejoi kohën të shfaqej hapur.

Kështu autoportreti u bë filozofi e ekzistencës.

12. Koha

Koha është një temë e heshtur tek Rembrandti.

Ajo duket në fytyra, duar dhe trupa.

Çdo rrudhë mbart një pjesë të historisë njerëzore.

Artisti nuk e fsheh kalimin e viteve.

Ai e kthen plakjen në dëshmi.

Kështu piktura bëhet një kujtesë e kohës.

13. Temat biblike

Bibla zë një vend të rëndësishëm në veprën e tij.

Por Rembrandti nuk e trajton atë vetëm fetarisht.

Ai kërkon dramën njerëzore brenda historive biblike.

Pendimi dhe falja marrin një dimension të thellë.

Personazhet janë njerëz përpara se të jenë simbole.

Kjo i bën skenat e tij universale.

14. Filozofia e njeriut

Në qendër të Rembrandtit qëndron njeriu i brishtë.

Ai nuk është hero i përsosur.

Ai gabon, humbet, plaket dhe kërkon falje.

Por brenda dobësisë ruan gjithmonë dinjitetin.

Kjo është filozofia më njerëzore e Rembrandtit.

Ai e sheh njeriun me dhembshuri.

15. “Roja e Natës”

“Roja e Natës” shënon një moment vendimtar artistik.

Portreti grupor shndërrohet në një skenë dinamike.

Figurat nuk qëndrojnë më thjesht përpara shikuesit.

Ato veprojnë brenda hapësirës së pikturës.

Drita krijon ritëm dhe përcakton personazhet kryesore.

Rembrandti e ktheu portretin në një ngjarje.

16. “Nusja Hebraike”

Kjo vepër shfaq një tjetër anë të Rembrandtit.

Drama këtu nuk vjen nga lëvizja.

Ajo lind nga intimiteti dhe heshtja.

Një gjest i vogël bëhet shprehje e dashurisë.

Afërsia e figurave krijon një emocion të qetë.

Rembrandti tregon fuqinë e ndjenjës së përmbajtur.

17. “Kthimi i Djalit Plangprishës”

Kjo vepër përmbledh shumë nga filozofia e tij.

Tema kryesore është kthimi dhe falja.

Figura e babait shfaq një dashuri pa gjykim.

Djali shfaq dobësi, pendim dhe nevojë për falje.

Drita e butë e përqendron gjithë dramën.

Këtu mëshira bëhet më e fuqishme se dënimi.

18. Gravura

Rembrandti ishte gjithashtu një mjeshtër i gravurës.

Ai e përdori vijën me liri të jashtëzakonshme.

Drita krijohej përmes kontrasteve dhe ritmit grafik.

Gravurat e tij ruajnë një ndjesi spontane.

Por spontaneiteti mbështetet mbi kontroll të madh teknik.

Kjo e bëri gravurën një art të pavarur.

19. Teknikë dhe penelatë

Penelata e Rembrandtit ndryshoi gjatë viteve.

Në fillim ishte më e kontrolluar dhe e hollë.

Më vonë u bë më e trashë dhe energjike.

Boja filloi të krijonte vetë formën.

Sipërfaqja e pikturës fitoi një jetë të re.

Kjo ndikoi fuqishëm në artin e mëvonshëm.

20. Ndikimet

Rembrandti u ndikua nga mjeshtra të ndryshëm evropianë.

Caravaggio ndikoi veçanërisht në përdorimin e dritës.

Pieter Lastman ndikoi në formimin e tij narrativ.

Por Rembrandti nuk mbeti imitues i askujt.

Ai i shndërroi ndikimet në gjuhën e vet.

Kjo është shenjë e një artisti të madh.

21. Ndikimi mbi të tjerët

Rembrandti krijoi një shkollë të fuqishme artistike.

Nxënësit e tij përhapën elemente të stilit rembrandtesk.

Ndikimi i tij vazhdoi shumë pas vdekjes.

Artistë të mëvonshëm studiuan dritën dhe portretet e tij.

Realizmi psikologjik mbeti një trashëgimi e fuqishme.

Ai ndikoi edhe në perceptimin modern të portretit.

22. Përparimi artistik

Rembrandti nuk u përsërit gjatë gjithë jetës.

Ai kërkoi vazhdimisht mënyra të reja shprehjeje.

Nga detaji kaloi drejt përshtypjes së përgjithshme.

Nga kontrolli kaloi drejt lirisë së penelit.

Nga pamja kaloi drejt psikologjisë.

Ky ishte përparimi i tij më i madh.

23. Marrëdhënia me shoqërinë

Rembrandti jetoi mes njerëzve dhe tregut të artit.

Ai pikturoi tregtarë, qytetarë, dijetarë dhe familje.

Shoqëria holandeze u bë pjesë e veprës së tij.

Por ai nuk e idealizoi klasën shoqërore.

Ai kërkoi individin pas statusit.

Kjo i dha portretit dimension njerëzor.

24. Suksesi dhe vështirësitë

Rembrandti njohu famën që në moshë të re.

Ai fitoi klientë dhe krijoi një studio të suksesshme.

Por më vonë përjetoi vështirësi financiare dhe personale.

Jeta e tij nuk ndoqi një vijë të qetë.

Megjithatë, arti i tij u bë më i thellë.

Humbja nuk e shkatërroi krijimtarinë.

25. Rembrandti dhe moderniteti

Rembrandti është modern sepse nuk kërkon përsosmëri.

Ai kërkon të vërtetën njerëzore.

Kjo e afron me ndjeshmërinë moderne.

Ai pranon pasigurinë dhe papërsosmërinë e jetës.

Ai e sheh individin përtej rolit shoqëror.

Prandaj arti i tij ende na flet.

26. Trashëgimia

Trashëgimia e Rembrandtit është shumë më e gjerë.

Ajo përfshin pikturën, gravurën, portretin dhe autoportretin.

Por trashëgimia më e madhe është mënyra e tij.

Ai na mësoi ta shohim njeriun më thellë.

Na mësoi të shohim edhe brenda hijes.

Dhe kjo është arsyeja e pavdekësisë së tij.

27. Përfundim filozofik

Rembrandti e filloi artin duke kërkuar pamjen.

Më vonë kërkoi shpirtin pas pamjes.

Drita e tij zbulon, ndërsa hija ruan misterin.

Fytyrat e tij mbajnë gjurmët e jetës.

Autoportretet e tij janë një dialog me kohën.

Arti i tij është një kërkim për njeriun.

Rembrandti nuk pikturoi vetëm atë që shihte.

Ai pikturoi atë që njeriu fsheh brenda vetes.

Përgatiti: Founder & Editor-in-Chief Liliana Pere

Burimi: Encyclopaedia Britannica — https://www.britannica.com/⁠�